Puertas abiertas al arte contemporáneo

Contemporary art, Performance, Philosophy of Art

Quién iba a decir que en Torino me encontraría con las puertas abiertas al arte contemporáneo. Puede que por una cuestión estratégica, comercial o intelectual, pero lo cierto es que mientras Roma explota la edad clásica y Firenze exalta el Renacimiento, Torino ha abierto las puertas a la contemporáneidad. Esta ciudad es conocida por su museo egipcio (que ya comenté), por el museo de arte oriental, por la Sindone, por los palacios reales o por il Borgo Medievale. Sin embargo, en los últimos años su apuesta artística se ha centrado en el arte contemporáneo y, debo decir, se nota.

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Arm #2. Ed Young

Hace unas semanas tuvo lugar Artissima, la gran feria de arte contemporáneo (5-8 de noviembre). La distribución de las galerías, las paredes blancas, el continuo transitar de gente era muy parecido al del resto de ferias, tipo ARCO en España. Con una salvedad: en este caso se había reservado un lateral para la realización de performances. Es decir, mientras uno paseaba por las galerías de todo el mundo, de vez en cuando se escuchaba por unos altavoces que la próxima performance estaba a punto de comenzar. El artista tenía un tiempo determinado para realizar su “pieza”, para interactuar con el público. No sólo se trataba de “verlas”, sino de participar. La participación puede ser física o, simplemente, mental. No a todo el mundo le resulta fácil “entrar” en este juego, pero reconozco que yo no suelo encontrar ninguna dificultad.

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Rise. Marie Egger

Esta afinidad me llevó a participar con gran entusiasmo en la performance de Marie Egger. La artista se presentó y con voz enérgica iba dando una serie de indicaciones que un buen grupo de personas nos decidimos a seguir: mirarle, sonreír, gritar, palmear… incluso levantarnos y ponernos en el lugar reservado al artista. Cantamos, bailamos y rodeamos a la artista con nuestros cuerpos según ella nos pidió hasta que dijo “se acabó” y todo el mundo aplaudió. Egger consiguió despertar nuestras emociones y movilizarnos con ellas, nos convirtió en una masa enfurecida y en una fiesta improvisada. Aquello fue un pequeño extracto de lo que en realidad hacen los mass media con todos nosotros, un reflejo del poder mimético que ejerce la masa. ¿Se quedó con todos nosotros? Sí, supongo que un poco sí, pero nadie se quedó molesto. Sonreímos ante nuestra ingenuidad, ante el poder del arte. Resultó una experiencia catártica.

Además, la feria me dio la oportunidad de ver obras de grandes artistas como Kosuth, Ai Weiwei o Marina Abramovic y descubrir a artistas interesantes como Ed Young, Hrair Sarkissian, Regina Jose Galindo o Jaroslaw Kozlowski. No obstante, lo más interesante es que la feria del arte no acababa en los límites del complejo, sino que se extendía por toda la ciudad. Así, durante la noche del sábado (la Notte Bianca) todas las galerías de arte de la ciudad tendrían las puertas abiertas para los visitantes. La mayoría estrenaba exposición y, algunas, anunciaban sorpresas y performances.

La ciudad entera era una gran d0a61ca8e2aa0d965b0edbfb285108c7feria de arte y era impresionante la cantidad de gente que iba de una galería a otra. Los galeristas explicaban la exposición, cuando no era el mismo artista quien te invitaba a entrar. De todo y para todos los gustos: desde mis queridos y archiconocidos Warhol, Lichtenstein, Rauschenberg hasta los “recién llegados” Fabio Viale, Davide ColtroFatma Bucak o Andrea Modica. Si distintas eran las obras, más lo era el público: mayores y jóvenes, grupos y personas solas, bohemios y enchaquetados, expertos y escépticos… allí estaban todos abiertos a lo que la noche les deparase, dispuestos a reflexionar y a disfrutar. A veces dos minutos servían para hacerse cargo de las obras, otras veces hubiera deseado tener dos horas sólo para disfrutar de una pieza.

Me gustaría destacar otra performance en la que tuve la suerte de participar: Yang (zhi) (cultivar). La artista Loredana Galante dispuso un buffet en el que el participante debía coger su bandeja, un plato, una cuchara, un vaso y una pequeña planta. En el plato se le servía una dosis de tierra y en el vaso se podía elegir entre distintos líquidos embotellados y clasificados con nombres: tranquilidad, amor, etc. Se acudía con todo aquello al centro de la sala donde estaba una alfombra dispuesta para la “plantación”. La

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Yang (zhi). Loredana Galante

performance sólo la realizaron mujeres y, en el caso de tenerlos, de sus hijos. Los niños entraron hasta el fondo y no se apartaban de su pequeña porción de tierra. Mientras ellos seguían ahí, Loredana explicó que con esta acción pretendía poner de manifiesto cómo en realidad todos tenemos una pequeña porción de tierra que cuidar y debemos ser conscientes de cómo nuestras acciones repercuten en el resto de personas que nos rodean, así como en el conjunto de la sociedad. Una performance que se convirtió en pura poesía y transmitió una gran serenidad a todos los presentes.

La performance no es el único recurso del arte contemporáneo, pero qué duda cabe que es uno de sus platos preferidos. Lo es porque permite la interacción directa con la vida y una mayor participación del espectador. Artista-obra-vida-público y vuelta a comenzar generando un círculo virtuoso. Un círculo que despierta la conciencia artística y conlleva una repercusión vital: comienza a verse la vida con ojos de artista. Todo es susceptible de convertirse en arte, pero no por ello todo es inmediatamente arte: para serlo deben darse unas condiciones mínimas. Para ser una buena obra artística deben cumplirse no sólo unas condiciones mínimas, sino que se tiene en cuenta principalmente cómo se adecuan lo expresado y la forma en la que ha sido expresado. En este sentido, en terminología de Danto, las obras son “significados encarnados”. La manera en la que el significado se encarna es decisiva para la configuración de la obra. En términos clásicos podríamos decir que en la forma, en el cómo se ha hecho -no sólo en el resultado final-, nos lo jugamos todo.

Puesto que la performance permite una mayor unión con la vida que otras representaciones más tradicionales, a veces los artistas la consideran más apropiada para despertar la conciencia social, denunciar injusticias, etc. Pero, puesto que como acabamos de decir, el “cómo” ha sido llevado a cabo es tan relevante como lo que se quiere decir, el artista debe ser consciente de que el modo de llevarlo a cabo puede modificar sustancialmente su obra.

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Art is over. Gabriele de Santis

Cuando los medios son desproporcionados a lo que se quiere expresar se puede llegar a desvirtuar la obra, se puede convertir en una cosa distinta de lo que, en realidad, el artista quería que fuera. En definitiva, el cómo está hecha la obra puede cambiar el marco interpretativo de la propia obra y puede llevar, incluso, a no ser considera como obra de arte.

La no interpretación de la “obra” como obra puede ocurrir por la ausencia de elementos que nos hagan interpretar la obra como tal (basta pensar en la pieza que tiraron a la basura hace unas semanas después de una fiesta) o por la desproporción entre el contenido y la forma. La relevancia o gravedad del contenido que el artista desea expresar/denunciar no justifica cualquier “forma”. Hoy en día pueden encontrarse muchas obras con contenido político o crítica social pero pocas consiguen el equilibrio adecuado y, en ocasiones, el peso político fagocita el interés artístico. En esta línea, se puede pasar la línea entre hacer un arte crítico-político y servirse del arte para realizar una denuncia. La línea es frágil, pero una vez se cruza el arte pierde gran parte de su valor.

Por último, cuando los medios con los que se ha llevado a cabo la obra resultan ofensivos, degradantes e insultantes no sólo la obra pierde valor, sino que el artista demuestra poco aprecio por el arte. Y lo que es todavía más importante, ya que nos estamos moviendo en el mundo de la vida, demuestra poco respeto por las personas. La degradación del arte no restituye la degradación que, por desgracia, encontramos en la vida, sino que contribuye a fomentarla.

Es maravilloso que el arte y la vida confluyan, pero no todas las confluencias son igualmente válidas. Sólo los grandes artistas suelen encontrar el equilibrio adecuado que mantiene las puertas abiertas para que transiten libremente el arte y la vida. Sólo ellos hacen grande el arte y nos hacen apreciar la vida.

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El libro de la vida (y la muerte)

Artículos, Exposiciones, History

El Libro de los muertos es el nombre con el que se denomina al texto funerario más antiguo del imperio egipcio. Si se tradujera literalmente se diría algo así como “libro de la emergencia a la luz”. Pude ver este libro a los pocos días de llegar a Turín. Su museo egipcio es uno de los tres más importantes del mundo, junto al de El Cairo y Londres.

MeSchermata 2015-11-02 alle 11.04.05 gustó comenzar mi viaje y mis visitas museísticas por una de las civilizaciones más antiguas. El museo, además, ha sido recientemente restaurado y remodelado. Frente a otros museos o muestras de la civilización egipcia que cargan las tintas en los procesos de momificación, aquí sólo se podía ver una muy al comienzo. El resto de la visita es un viaje al antiguo Egipto a través de todas y cada una de las facetas que componen una soc  iedad y una civilización: trabajo, relaciones familiares, artesanía, cultura o ritos funerarios, entre otros. Se habla de todos estos aspectos, pero sin embargo, se hace un especial hincapié en el más allá. Quizá sea el sentido trascendente de esta civilización el que le hace tan misterioso y poderoso.

Sorprende pensar el esfuerzo que invirtieron en realizar obras tan monumentales no para los vivo, sino para los muertos. No estoy hablando de la arquitectura, sino especialmente de todo el desarrollo ritual en torno a la muerte. En el Libro de los muertos se recogen la mayoría de ritos ySchermata 2015-11-02 alle 11.03.51 ceremonias que los egipcios realizaban para enterar a sus muertos. Es dentro de estos ritos donde debe enmarcarse las pinturas que encontramos en las paredes de las pirámides y en los sarcófagos.

Me gustó especialmente el hincapié que se hacía en la audioguía en no comprender estas pinturas como expresión artística. Para los egipcios esta “decoración” tenía un sentido mágico. Los egipcios retrataron los cuerpos en los sarcófagos con la mágica idea de que así el muerto podría vivir eternamente. No sólo se explicaba el rito funerario, sino que de alguna manera, se daban las instrucciones necesarias para que el “muerto” pudiera emerger a la vida eterna de la luz. Por esta razón, también se dejaba todo el avituallamiento de comida y ropas para cuando despertara. Me impresionó considerar, por un lado, que una civilización tan grande pudiera haber desaparecido casi completamente. Digo ‘casi’ porque, por otro lado, también pensé que la fascinación occidental por la cultura egipcia, sus momias y sarcófagos, ha hecho realidad la creencia de la vida eterna. 

Toda la visita vino de nuevo a mi mente cuando hace unos días vi El libro de la vida. Un film de animación muy original ambientado en México, en el que se narra una aventura que transcurre el día de los muertos. Como se sabe, la cultura mexicana tiene también una particular visión de este día y la película refleja todo el sentimiento festivo y el espíritu colorido con el que los mexicanos conciben este día.

Dos visiones al parecer muy opuestas pero que, sin embargo, recogen la misma idea de que la historia de nuestra vida continua su narración después de la muerte, como si de un nuevo capítulo del mismo libro se tratase.

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La grande belleza

CineCittà, Italia

La-gran-belleza-portadaLa grande belleza es un film de Paolo Sorrentino en la que puede contemplarse la incesante búsqueda personal de un esteta. El personaje principal Jep Gambardella, protagonizado por Toni Servillo, es un gentleman con cierta fama por haber escrito tiempo atrás una novela con éxito. Pero desde entonces no ha habido más. Su dedicación consiste en realizar algunas crónicas culturales como periodista y, principalmente, asistir a eventos insustanciales, reuniones vacías de interés y fiestas continuas y desenfrenadas. A sus 65 años se da cuenta de que no sabe quién es o qué ha hecho de provecho en la vida.

La_grande_bellezza__11En medio de este aparente entorno desolador, él sigue buscando la belleza. La película se regodea en largos planos que tratan de meternos en la mirada del esteta y se deleita en exagerados contrastes. Los diálogos manifiestan la crítica contra todos los discursos vacíos que se encuentran en todos los estratos de nuestra sociedad: el arte, la política, la religión, el periodismo o todas las relaciones sociales.

En medio de este esteticismo, aparece otro personaje desconcertante y un tanto surrealista: una monja anciana, arrugada y con fama de santidad que no posee ninguna belleza aparente. Pero, frente a todo pronóstico, es la única que consigue despertar el interés de Jep.

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Su discurso no está vacío, sino que parece apuntar a una realidad mucho más profunda y lejana. También resulta claro para nuestro esteta que, al final del film, dice unas palabras que -a mi entender- dan claves importantes de la película y de cómo la búsqueda de la belleza en lo meramente terrenal es finita, aunque muchos decidan quedarse ahí, como nuestro esteta:

“Termina siempre así, con la muerte. Pero antes hubo vida. Escondida debajo el bla, bla, bla, bla, bla. Y todo sedimentado bajo los murmullos y el ruido. El silencio y el sentimiento, la emoción y el miedo. Los demacrados, caprichosos destellos de belleza. Y luego la desgraciada miseria y el hombre miserable. Todo sepultado bajo la cubierta de la vergüenza de estar en el mundo. Bla, bla, bla, bla, bla. Más allá, está el más allá. Yo no me ocupo del más allá. Por tanto, que esta novela dé comienzo. En el fondo, es sólo un truco. Sí. Es sólo un truco”.

Con esta película comencé a introducirme en el mundo italiano antes de mi viaje. Ahora que ya estoy en Turín confundo a veces lo que veo con escenas de la película: las largas calles levantadas sobre campamento romano con continuos palazzos con sus balustradas a los lados; el continuo trasiego de aristócratas, artistas y gente estilosa contrastando con los indigentes que cada vez más viven en los soportales.

Torino exulta en cada una de sus piedras de haber sido sede real de la Casa Saboya y, en cierta manera, vive de su historia pasada. La ciudad está plagada de museos en los que pueden contemplarse todo lo que fue y ya no es: sede real, cuna de la unificación italiana, milagro industrial después de la segunda Guerra Mundial gracias a Ford, etc.

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La iglesias muestran toda la fuerza del barroco y se glorían de sus santos populares: San José Cafaso, San Carlo Borromeo, San José Cottolengo o san Juan Bosco entre otros. La nobleza y el pueblo. De hecho, en la piaza del Corpus Domini hay una especie de piercing colgando de una fachada en la que se representa la unión de la sangre azul noble con la roja del pueblo.

Ya, por último, dejo lo que más me emocionó: la Sindone o, más conocida en España, como Sábana Santa. Me impresionó que frente a la riqueza y casi excesiva exuberancia –para mi gusto- de las iglesias, il Duomo, donde se encuentra, es posiblemente de los lugares menos bonitos de la ciudad. No estaba expuesta, sino guardada detrás de un cristal, pero para que sirva como muestra, pongo la foto con la Sábana Santa expuesta. ¡Menuda cosa la Sábana Santa! Mis ojos no veían su belleza, sencillamente porque su belleza no es de este mundo.

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Me impresionó, además, el contraste con la salida. Este año Turín es la capitale europea dello sport y en las plazas y calles principales había muchísima gente en conciertos simultáneos y realizando los deportes más variados. La combinación entre el mármol, la nobleza, la pietà y los cantos de rap, las tiendas de Gucci, la diversidad étnica, junto con los saltimbanquis colgando del cielo es algo que todavía estoy digiriendo. Tempo al tempo.

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MUSEUM IN THE STREET (III): Cie Willi Dorner

Contemporary art, Street Art

1082140698El arte que reivindica las calles como su lugar no se restringe a las paredes y los aerosoles, sino que lo propio es que aparezca cuando menos te lo esperas y bajo la forma más sorprendente.

Ese es el caso del artista Cie Willi Dorner, el cual realiza una serie de esculturas urbanas efímeras. Desde el 2007 viaja junto a su equipo escultórico por todo el mundo apropiándose de espacios y realizando combinaciones imposibles. El ojo humano se queda con el colorido, el cuerpo siente el retorcimiento de las figuras, pero la mente se sorprende de cómo una cosa tan “sencilla” puede resultar tan bien.

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El cuerpo humano siempre ha sido un referente para todos los escultores, pero Dorner da un paso más allá y cuestiona todas las formas tradicionales. En algún sentido me recuerda a Pina Bausch u otros correógrafos que tratan de mostrar hasta dónde puede llegar el cuerpo, la figura humana. Pero, al mismo tiempo, las figuras de Dorner en sus intervenciones urbanas mantienen un cierto hieratismo clásico, un mero ocupar un espacio vacío. El cuerpo se nos aparece como un objeto y, sin embargo, nos preocupa cuánto tiempo podrán mantenerse en esa posición. El desconcierto de verles aparecer mientras caminas por la calle debe ser mayúsculo.

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Desconcierto que, como él afirma, tiene como fin hacernos reflexionar: “By placing the bodies in selected spots, the interventions provoke a thinking process and produce irritation. Passers by, residents, and audience are motivated and prompted to reflect on their urban surrounding and on their own movement, behavior, and habits.”

  

MUSEUM IN THE STREET (II): BORDALO II

Crítica de la razón pública, Street Art

Screen-Shot-2014-12-01-at-9.12.25-AMUno de los grandes problemas de las ciudades modernas es la recogida y eliminación de basura. Grave problema si tenemos en cuenta que cada persona puede generar 500k de basura al año, podemos ser conscientes del grave problema de acumulación de basura que tienen las grandes ciudades. (Por no pensar en la gran cantidad de basura que hay flotando en los mares o en el espacio).

Precisamente con elementos reciclados es como trabaja el artista portugués Bordalo II.Screen-Shot-2014-12-01-at-9.12.16-AM Con utensilios cogidos desechados este artista construye grandes esculturas en 3D sobre las fachadas de los edificios. Los elementos entran y salen dando una particular viveza a sus figuras. Otra de sus señas de identidad es que estas figuras son generalmente animales.

La basura no es sólo una elección artística o “una boradlo-1manera de reciclar”, sino “una crítica” a nuestro deseo interminable de “tener cosas bonitas” sin tener en cuenta que esos objetos efímeros formarán parte del gigantesco vertedero que todos construimos. Con su trabajo este artista trata de hacernos reflexionar sobre lo que estamos haciendo con la naturaleza.

Una reflexión a la que se suma la llamada a la “revolución ecológica” realizada recientemente por el Papa Francisco en su última encíclica.

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Museum in the Street: Sean Yoro

Street Art

Hace unos días hablaba del proyecto Outings que trata de liberar a las obras de arte de los museos y sacarlas a la calle. Mucha gente cuando escucha hablar de street art piensa sólo en graffitis, pero esta técnica hace mucho que dejó de ser la hegemónica para este movimiento.

Así puede verse en el popular y aclamado documental Exit Through the Gift ShopEn él se narra, especialmente, la historia de Banksy y Mr. Brainwash, pero, al mismo tiempo, uno puede hacerse cargo del desarrollo del street art, de la cultura urbana y de la relación con otros artistas como Shepard Fairey. Todo ellos comenzaron utilizando plantillas o pegatinas. Pero no se quedaron ahí. Después vinieron grandes murales, esculturas diversas, experimentación de géneros y materiales, etc.

Estos artistas son los más conocidos, sin embargo, no son los únicos. Ya he hablado otras veces, aquí o en otros lugares, de MTO, BoamisturaSlinkachu. Y hoy quiero presentar a otro descubrimiento (vendrán más):

En primer lugar, Sean Yoro, más conocido como “Hula”, pinta sus murales teniendo en cuenta el nivel del mar. Pudiera parecer que se trata de uno de los personajes de Fernández Mallo en busca del horizonte, pero es real. Lo cierto es que las pinturas hiperrealista que hace, subido a su tabla de surf, son espectaculares. Además tienen el encanto de que se transforman con las mareas:

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Outings Project

Contemporary art, Philosophy of Art, Street Art

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El artista visual francés, Julien de Casabianca, está llevando a cabo un proyecto participativo a nivel mundial: liberar a las piezas de arte de los museos.Captura de pantalla 2015-05-08 a la(s) 10.21.28

Outings project, así se llama la iniciativa, que ya cuenta con miles de seguidores por todo el mundo. Quizá el éxito venga porque la casuística es sencilla. Como explica en su página web: “With your phone, photograph the portraits of people on museum walls, print them, and move them to streets walls”.

Sí, es sencillo, pero hay más. Los museos han transformado nuestra manera de acercarnos al arte. Hoy en día hay muchos artistas (Maurizio Cattelan, por ejemplo) que crean la obra pensando en la sala de museo que va a ocupar. De hecho, incluso, algunos autores prescriben que los museos, en tanto que instituciones artísticas, son parte esencial en el juicio de qué es arte y que no.

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Sin embargo, esta manera de concebir el arte es muy reciente. La mayor parte de la historia del arte está repleta de obras que no fueron concebidas para ser expuestas en un museo, sino para ser contempladas como elementos vivos de una cultura. En sentido hegeliano cabe decir que el hecho de que estén colgadas en las paredes de un museo nos demuestra que su época ha pasado.

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Pero frente a este tipo de posturas, también hay personas que reivindican que cualquier obra de arte tiene mucho que decirnos hoy en día. Desean, además, que no oigamos sus voces sólo de tanto en tanto, en alguna visita (turística) al museo, sino que podamos hacerlo cada día. Por eso es hay gente que se decide a sacar las obras a la calle, a embellecer los muros de nuestros edificios y a hacernos pensar en cualquier momento sobre nuestra época histórica, sobre el arte o sobre nosotros mismos.

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La lengua en pedazos

In Memoriam, Teatro

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El viernes pasado fui a ver la obra de teatro La lengua en pedazos. Hacía tiempo que no acudía a una obra que me impresionara tanto. (Para descargar texto: aquí)

La obra era una adaptación de Juan Magorya en la que se representa el diálogo de Teresa de Jesús con su inquisidor. En principio la obra está concebida para sólo dos personajes, sin embargo, en esta adaptación había tres Teresa y tres inquisidores que se iban cediendo la palabra unos a otros. Es difícil de explicar, pero sobre el escenario resultaba sencillo de entender gracias al juego de luces. El hecho de cambiar de actores aligeraba la intensidad del texto y, otras, incrementaba el dramatismo.

Las interpretaciones, excelentes, conseguían transmitirte ahora el dolor, la angustia, las dudas de un alma que está siendo llevada hacia las cuerdas con el fin de que ceda a cerrar el convento que ha fundado en nombre de Dios. Y cuando Teresa tiene ya la lengua en pedazos es entonces cuando más se contempla su fuerza y su lucha, sus amar de mujer, su amor a Dios.

Había leído algún escrito y meditado, muchas veces, sus poesías (especialmente “vuestra soy, para vos nací”), pero el hecho de “verle” gritar en el escenario me impresionó. No sólo por la fuerza, sino por el contenido. Sí, después de 500 años, Teresa -su vida, sus escritos y pensamientos- siguen siendo actuales, pero lo más impactante es pensar que lo será siempre.

Arte y ¿política?

Artículos, Crítica de la razón pública

El s. XX es un siglo de revoluciones intelectuales, sociales, políticas y artísticas. Tras la segunda Guerra Mundial el panorama mundial había cambiado y América se había erigido en la gran potencia tanto económica como artística. Sin embargo, las revoluciones artísticas no desaparecieron completamente del ámbito europeo. A partir de los años cincuenta encontramos un desarrollo paralelo de unas prácticas artísticas que apuestan por otorgar más énfasis a la acción: Dick Higgins lo denominará performance, Allan Kaprow happening y George Brecht evento.

Por lo que corresponde a España se comenzará a hablar de arte de acción. El arte de acción se desarrolla en territorio español a partir de la creación del grupo Zaj. Su reivindicación de borrar la distinción entre arte y vida había sido puesta bajo sospecha por el régimen ya que se consideraba peligroso contemplar la vida con la libertad qconcierto_zaj_en_nueva_york_smallue mostraban sus acciones. Tanto fue así que en 1967 el Ministro de la Gobernación, General Alonso Vega, lanzó la consigna de prohibir la presentación de Zaj en los teatros nacionales “por promover la anarquía”. Sin embargo, nada impidió que sólo cinco años después la ciudad de Pamplona se transformara en un gran escenario por el que pasaron alrededor de trescientos cincuenta artistas presentando las propuestas más variadas, internacionales y radicales. Los Encuentro de Pamplona del 72 fueron la muestra más representativa e internacional de un arte comprometido con la sociedad y de que las acciones reivindicativas pueden ser pacíficas.

Pero, ¿fueron una excepción? No, seguramente no hubo artista en esa época que se mantuviera ajeno de la situación política. Sin embargo, también los hubo comprometidos antes y después, dentro y fuera de España. Los artistas siempre han sido conscientes de que sus obras son altavoces de ideas que pueden cambiar el mundo. En este sentido, el arte siempre ha tenido una vertiente política, pública, un compromiso con el despertar social imprescindible.

a84eccd0fab59ee306a8455f24294423Precisamente por eso, también es susceptible de convertirse en un arte panfletario que somete el arte a intereses partidistas. Quizá sea difícil saber dónde está la línea, quizá no esté tanto fuera, como dentro de uno mismo. Con el tiempo se discierne entre el arte (la política) panfletaria y la que tenía un verdadero proyecto social. Parece que en los tiempos que corren se vuelve a despertar el sentimiento democrático, pero no el compromiso. Parece que los nuevos proyectos no consiguen aunar las fuerzas de antaño. Aunque los proyectos políticos y artísticos estén dispersos, la regla para mantener el equilibrio entre ambos es clara: hacer pensar sí, imponer el pensamiento: no.